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配饰插画-蒸汽朋克插画的十一个主题

时装插画：那个有着500年历史的”时尚女魔头“

时装插画已经存在了将近500年,自从有了衣服以后,就需要将设计衣服的思想或形象转化为时装插图。这种视觉形式起源于插画,绘画和油画,也被称为“时装素描”。时装设计师主要使用“时装素描”在纸上或数字方式上集思广益,它在设计中的主要作用是在缝制实际衣服之前可以预览和可视化最后的结果。

接下来,我们就分阶段的看一下时装插画这个有着500年历史的”时尚女魔头“有着怎样的历发展进程。

一.时尚插画的开始

时装插画始于16世纪,当时全球的探索和发现导致人们对世界各个国家的人们的着装而着迷。印制了说明不同社会阶层和文化适合穿着的书籍,以帮助消除对变革的恐惧和这些发现所造成的社会动荡。

在1520年至1610年之间,出版了200多种这样的版画,蚀刻版画或木刻作品集,其中包含穿着特定国籍或等级的人物的图板。这些是最早的服饰插图,也是现代时装插图的原型。这些插图很可能会被礼服设计师,裁缝师,及其客户所使用,以激发新的设计灵感。

十七世纪的艺术家雅克·卡洛(JacquesCallot)和亚伯拉罕·博斯(AbrahamBosse)都使用现代雕刻技术来制作逼真的时代服装和服饰细节。

这些期刊从1670年代开始在法国和英国开始发行,被认为是第一本时尚杂志,其中包括LeMecureGallant,TheLady'sMagazine,LaGalleriedesModes,LeCabinetdesModes和LeJournaldesDamesetdesModes。在此期间,出版期刊的数量有所增加,这是对市场中越来越渴望了解最新时尚新闻的女性读者的反应。直到在18世纪末和19世纪初,男性风格的插图才变得与女性插图同样重要。

二.十九世纪的时尚图样(Thefashionplate)

时装图样(Thefashionplate)在18世纪后期独占鳌头,在巴黎风靡一时,期间诸如HoraceVenet的《IncroyablesetMerveilleuses》等出版物,以及在拿破仑一世时期的乔治·雅克·加丁(Georges-JacquesGatine)雕刻的一系列水彩时装图都名噪一时。

法国作为时尚仲裁者的地位确保了国内外对时尚插画的不断需求。这种对流行服饰的兴趣以及对流行服饰的获取日益广泛,导致在19世纪出现了150多种时尚期刊。这些高度详细的时装插图捕获了时装趋势的信息,并提供了一般的制衣指导。

高级服装定制也是这个阶段出现的(出现在1860年代),时装公司聘请了插画家,他们将与女装设计师直接合作,设计师将织物挂在现场模型上时,插画家则会勾勒出新设计的草图。他们还会在完成的系列中绘制每个设计的插图,然后可以将其发送给客户。

到19世纪末,手工彩色印刷被全彩色印刷所取代。时装图样开始使用两个人物,其中一个人物可以从背面或侧面看到,以便可以从更多角度看到服装,从而使复制更加容易。19世纪插画家的重点是准确性和细节性。他们遵守静态的图像约定,以便为观看者提供全面的信息和指导。

三.二十世纪的时尚杂志和插图

二十世纪初期的几十年来,现代意义上的时装插画首次开花。随着最新时装样式的发行变得越来越有利可图,时装插画师的工作成为一种职业。时尚以前是单个艺术家的作品,现在正成为一个行业,以前所未有的数量生产新商品,以填补百货公司的空缺。这些商店发明了一种新的全名消遣方式-购物文化。

法国奢侈杂志《宪报》(Gazettedubonton)于1912年至1925年出版,汇集了一群年轻艺术家,他们在诠释时尚方面获得了前所未有的自由。伊里贝(Iribe)是这些时尚插画家之中的****,为著名的出版物做出了贡献,其中还包括查尔斯·马丁(CharlesMartin),爱德华多·加西亚·贝尼托(EduardoGarciaBenito),乔治·巴比耶(GeorgeBarbier),乔治·勒帕佩(GeorgesLepape)和翁贝托·布鲁内莱斯基(UmbertoBrunelleschi)。他们为《宪报》制作的印版展示了日本木刻版印刷品的影响,以及装饰艺术风格新的变化。

在美国,大众市场时尚杂志《Vogue》和《Harper'sBazaar》涵盖了社交场合以及当代服装的流行趋势。Harper'sBazaar杂志与鬼才埃特(Erte)签订了独家合同,该合同从1915年持续到1938年,是出版历史上最长的合同之一。

从1910年到第二次世界大战爆发,《Vogue》杂志的封面始终带有插图。Vogue的早期封面展示了由美国插画家海伦·德莱顿(HelenDryden),乔治·沃尔夫·普朗克(GeorgeWolfPlank),乔治·勒帕佩(GeorgesLepape),莱恩德克尔(F.X.Leyendecker)创作的艺术品。

第一次世界大战后,欧洲艺术家加入了他们的行列,其中包括爱德华多·贝尼托(EduardoBenito),查尔斯·马丁(CharlesMartin),皮埃尔·布里索(PierreBrissaud)和安德烈·马蒂(AndreMarty)。

四.时尚插画的黄金时代

1920年代到1930年代代表着时装插画的“黄金时代”。每个商业艺术家都被认为是时装艺术家,都是完美的绘图员。许多人能够凭权威和信念来代表织物的质地,光泽甚至重量。

摄影和印刷的新技术发展开始将照片的复制直接放置在杂志的页面上,这意味着时尚图样不再是现代生活的代表。到1930年代初,照片开始成为杂志的首选,Vogue杂志在1936年报道说,摄影封面的销售情况更好,插图开始被放入到内页。

随着1929年股市崩盘后的经济衰退,美国时装业对巴黎时装的依赖程度有所降低。在两次世界大战期间,美国的服装制造取得了长足的进步,改进了大规模生产方法并标准化了尺码。中产阶级妇女依靠熟练的裁缝师以负担得起的价格可以购买最新的时装设计,而诸如Vogue和Women'sJournal这样的杂志出版的图案对于家庭裁缝师来说是无价的。

Vogue杂志的主要目的是尽可能向读者展示时尚,摄影使插画家摆脱了对服装进行精确记录的需求,而更倾向于诠释时髦的服装。据该杂志的出版商抱怨说:“艺术家们主要是对获得有趣的图画和装饰效果感兴趣,他们被忠实地报道当代时尚精神的任何事情所累,因此感到无聊。”

迪奥在1940年代后期的“NewLook”为战后时尚复兴提供了灵感。从许多方面来说,这是一种倒退的风格,回到过去而不是对未来进行展望,但它也象征着回到更加开朗,乐观的时代。

五.时尚插画的毁灭与复兴

到1950年代,时装编辑已经将更多预算用于摄影的编辑传播。随后将时尚摄影师提升为名人,这意味着插画家必须满足于制作内衣和配饰的文章,或从事广告活动。

1960年代,时尚插画在杂志出版业中的地位不断消失,这一趋势在面向青年的青少年杂志的新类别中有所体现,1960年代发行了许多此类杂志,所有这些插图都将插画作为摄影的廉价替代品。

安东尼奥·洛佩兹(AntonioLopez)是这期间唯一在Vogue杂志上定期亮相的艺术家,他的职业生涯始于《女装日报》。

在20世纪下半叶,时装插图一直难以生存,直到1980年代才开始复兴。新一代艺术家在诸如LaModeenpeinture(1982),CondeNast’sVanity(1981)和Visionaire(1991)之类的杂志中都有发行。这种复兴归功于广告活动,特别是Barney在1993-1996年的纽约广告活动。

六.今天的时尚插画

介于精美艺术和商业艺术之间,时装插画在最近被重新评估为一种重要的流派。由于美丽和优雅在时尚和艺术领域都已过时,因此时尚插画有时看起来像是回到了更早的时代。

摄影术非常擅长记录服装的详细信息,因此插画家的重点不再是服装的精确呈现,而是解释服装和可能的穿着者。在二十世纪末和二十世纪初,由于数字工具和社交媒体平台的支持,它发展出了一系列独特的艺术风格。1990年代,先驱插画师EdTsuwaki,GrahamRounthwaite,JasonBrooks和KristianRussell等在计算机绘图领域开始兴起。

这一时期见证了计算机设计程序AdobePhotoshop和Illustrator的出现,也见证了传统的基于艺术的时装插画形式的复兴。纽约的帕森斯设计学院和FIT学院开始提供插图作为其时装课程的专用元素。手工制作的“传统”插图一直在复兴,时装插画家经常回望过去的大师,寻求风格灵感。以经典方法为基础的时装插图已成功地与更现代的流程所创造的插图相得益彰。

最近,插图通过时装设计师和插画家之间的合作而流行。随着社交媒体的使用,时装插画家开始引起人们的关注。时尚插图充满活力色彩,错综复杂的图案和无穷无尽的个性,给人留下深刻的印象。

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穿挚爱的衣服活下去！日本插画师绝美“手绘穿搭”,手把手教你穿

文:洛薇

Hi,我是洛薇,继续我们的时尚穿搭之旅,变美永远不迷路。

嗜衣如命,衣如挚爱

。“我们各自都住在各自的衣服里”,张爱玲如是说。

衣服是风景、亦是面子;衣服是画布、亦是修饰。我们借由衣服,活成了各自或喜欢、或讨厌的模样。你穿衣的态度,就是你自己。

貌似这样说,有些矫情,但却不无道理。女人们,活其一生,容貌、乃至身外这层皮就是命!不管你愿不愿意,喜不喜欢,“

爱美心

”如影随形,衣着就是你活着的态度。

既然如此,何不

穿着挚爱的衣服活下去

!管它明天艳阳或阴霾;管它下一秒痛苦或悲伤,只要这一刻是美美的,就值!

那么,哪些衣服可以担当得起“挚爱”二字?值得用一生去守护?当然是经典

基本款

了!

很有幸,看到日本插画师いわたまい的作品《FashionMeeting!穿着挚爱的衣服活下去》,瞬间就爱了。

她用经典鲜明的配色、别出心裁的笔触,形象、生动地描绘出了实用又时髦的基本款穿搭技巧。在摒弃了穿着者颜值、身材的影响外,只专注于

搭配

本身。从借鉴性来看,实用价值非常高,可谓是教科书般的穿搭指导了。

我们先来看看她的

配色

,插画形式和真人穿搭不同,更讲究

审美的意境

、

配色的巧妙

运用,比起单品,我们更应该从她的配色中汲取到灵感。

_

黑、白、米等基础色系

经典配色中,黑白米当然是第一位。这对冤家组合形影不离,少了任一方,都担不起经典大任。

甜美可爱范

:女人的少女心隐含在白T和背带裤中,从18岁的喜欢到60岁都不会变。这类经典的基本款、基本色组合,是我们对青春最深情的缅怀。

这类搭配的重点在

妆容

和

配饰

:明艳的妆容、亮色精致包包、个性耳环,才会化解甜美的稚嫩,增加精致大气。

当背带裤换成米白色,整体更为清爽飞扬。白色系的衣服最适合就是匡威鞋,同样休闲活泼青春减龄,只需稍加一条精致

丝巾

或亮色包包,想要的女人味就有了。

优雅大气范

:少女心向大女人的蜕变,用

黑+黑

就可以表达,黑色修身上衣配黑色阔腿裤,上紧下松、诉说经典大气女人味。白色包包和鞋子巧妙运用,最有优雅气息的黑白穿搭,是每个女子向往的轻松休闲状态。

_

卡其棕色系

在基本色中,

卡其、棕色类

单品一定不能少。它应该占据1/3的单品颜色,包括配饰。无论春夏、秋冬,有了它们,才能彰显气质与高级。

深深浅浅的同色系搭配,是首选配色。如果你想表达高级感或出席重要场合,不妨把同色系放第一位。只要能营造出

层次差异

变化、用恰当的配饰点缀,轻松。

棕色+红色

,秋冬有一类棕色麂皮外套最常见,厚或薄均可,可是没见到有几个人穿的好看。最大原因是棕色存在感太强、又不会搭配,如果没有颜值、身材,如何以出众?

此时,不妨内搭白色高领衫,用

红色配饰

来提升整体气场,可以覆盖掉棕色的暗沉。

棕色裤子

,棕色裤子相对来说非常好搭配,黑白卡其上衣都不错。但想不想试试浅绿色?低饱和、低明度的

浅绿色

瞬间让棕色轻快很多,还不失大气。

棕色包包/鞋子

,当穿着鲜艳时,用棕色鞋子或包包,彰显高级感。它的沉稳大气,只需一点点,足够让闹腾的鲜艳衣服提升品阶,出众脱俗。

_

低饱和有彩色之蓝色/中性色

低饱和的有彩色系,也是经典百搭的。像雾霾蓝、浅紫、柔粉、浅蓝等高级莫兰迪色都值得尝试。但对于这类颜色,如果你是小白,洛薇建议从

牛仔色

开始吧。

牛仔色民族风衬衫

,这件上衣非常特别,独特民族风小立领衬衫中性帅气,带着复古范,搭米白吊带裤,又飒又美。

发愁

紫色毛衣

不会搭?比起黑白,试试经典

牛仔裤

吧。它们有相同的冷色属性,颜色底色一致,组合在一起有着同色系的高级视感,但又对比分明。

用黑色包包、鞋子,暗花围巾,提升大气感,穿出时髦和高级。

牛仔外套+牛仔裤

,很容易穿出工作服的感觉。那是你没注意风格调和,加入女人味的单品或配饰就能化解,注入精致感,休闲同时还时髦。

男友风的大衬衫

,搭经典牛仔裤,一看就是休闲帅气风。加入豹纹包包和红色尖头小皮靴,谁不说你又帅又美?

_

鲜亮有彩色

哇,有彩色。对于让人眼前一亮的

高明度、高饱和度

的有彩色,我们不忍拒绝、也无法拒绝。穿上它们,欢快感立刻充盈。但,如果和你不匹配的话,会让你面容模糊。

在所有的鲜亮有彩色里面,洛薇首推

玫红/玫紫色

,它不怎么挑肤色,对黑黄皮更友好,暖色但泛着冷调。可以大面积穿,也可以小面积点缀,只需一点,让你换新颜。

深紫色+玫粉色

,秋冬的深紫色既浪漫又得人心。特别是卫衣或毛衣类,有深紫色加持,甜美浪漫全有了。搭一条米色或浅灰色百褶裙,材质、颜色的对比差异,轻松活泼。玫粉色帆布鞋,巧妙点缀,惊艳醒目。

浅紫色半身裙

,米色衬衫内搭背心,配一条浅紫色半身裙,知性优雅少不了。带着都市明艳女孩的妩媚,这对组合帅气还温柔。千万不要忘了一对红色耳环的成全哦,耳间小小的鲜艳色,竟成全身不可缺少的亮点。

鲜艳有彩色的穿搭秘诀在于

全身颜色的统一性

,至少基调色一致、不会有明显跳跃感,看起来就会高级很多。

下面这组紫色同色系或主色调,虽然明艳活泼,但养眼舒适,不失高级。

黄+蓝

,明媚的**遇到沉稳的蓝色,在对比跳跃中瞩目吸晴。两个鲜艳色组合,面积主次很重要,3:7最佳,最忌讳5:5,这些配色法则适用于所有有彩色。

明**

,心情不好时就穿它吧。明媚欢快的色调,瞬间卸掉疲惫,获得力量。一条不在乎曲线的**长袍,穿出公主的娇媚范。

只需一点

玫紫色

,整套搭配活色生艳起来。

以上这些配色,可以应用到日常穿搭中。鲜艳色不是不可以穿,但讲究的是如何配哦。希望你们可以把握这套逻辑,灵活运用。下面我们来看看单品篇。

在基本款单品中,最为

经典

的:白衬衫、白T、牛仔外套、半身裙、连衣裙、卫衣、夹克外套、大衣,它们是衣橱一年四季的主人。

只要掌握它们的基本搭配逻辑,你还发愁不会穿吗?

⑴

白衬衫

嫌白衬衫不好看?那是你不懂。白衬衫分两类:

1.正式类

,适合职场或打造利落感;2.

休闲类

。两类侧重点不同,误把正式类当休闲穿,那肯定不好看嘛。

最为时髦的白衬衫是休闲类,因为款式、版型多变,可以灵活改变着装风格。

中长白衬衫

,遮住臀部的中长白衬衫,版型宽松、更易打造休闲风。用它搭一条帅气的棕色烟管裤,高级配色、简单时髦,是不是超迷人?_

知识点

:鞋子,休闲皮鞋如果是尖头的则代表女人味和精致感,方圆头偏中性,这些细节要把握哦,具体怎么搭看你想表达哪类诉求,按需选就行。

中长白衬衫+短内搭

,把白衬衫当外套,内搭短裤或短裙,俏皮活泼中带着丝丝女人味。比起长裤,短裤青葱时髦的印记更诱人。

甜美中性风

,一件白色灯笼袖白衬衫,满是甜美风趣感。搭配卡其背带裤,中性帅气但不失甜美,这类组合不挑风格、年龄,大量感的袖型看起来飘逸潇洒极了。

白色简单基本款T恤,从内衣演化而来。带着性感、私密本质,让它在搭配中显得格外迷人。别小看它,它是打造性感的高级助力。

搭半身裙

,收腰放摆的A型半身裙,一年四季都好穿。春夏轻薄、秋冬厚实,但都改变不了它优雅的特性,用白T恤配合,鲜艳中也有高级感。

搭牛仔裤

,穿衣越来越中性化的流行环境下,中性帅气风是很多女生最为喜欢的,但潇洒的同时,不要忘了加一些女人味。白T,恰是给力选择。

搭阔腿裤

,比起牛仔裤,阔腿裤显然是大女人单品。超有气场的它,穿上就有女王即视感,用长衬衫、白色T恤轻松就能演绎自信的一面。

听我说,不管你是什么气质风格,秋冬请备一件卫衣。它甚至可以代替毛衣,成为秋冬玩转

叠穿混搭

的时髦单品。

紫色圆领卫衣+牛仔裤,圆领卫衣,比起连帽卫衣更温和知性,适合轻熟女子,内里搭高领衫或衬衫,版型宽松遮肉,配条牛仔裤,中性帅气。

甜美迷人

,卫衣有着多重面孔,除了休闲,还能调和女人味和精致,打造甜美迷人范。一件绿色或雾霾蓝字母卫衣,搭各类飘逸半身裙和高跟鞋,时髦还精致。

休闲复古

,如果发愁波点半身裙的老气,不妨用一件卫衣配它。连帽设计青春气息十足,用它来调和老气的波点最合适不过了。

想精致、搭高跟鞋;想休闲、搭小白鞋,万种变化,皆由你心造。

对于眼花缭乱的连衣裙,最经典的款式莫过于A型裙、宽松连衣裙、衬衫裙了。它们是打造优雅知性高级感的必备单品,有一种沉淀美。

A型裙

,减龄的A版型,上窄下宽,显得活泼可爱但不失雅致大气。修饰身材,轻松穿出想要的青春效果。搭各类开衫外套风衣都不错。

知识点

:这类裙子重点在于长,长至小腿最细处或脚踝处,显高显瘦。太短,则过于小女生化,没有稳重感,有失得体。

优雅宽松连衣裙

,这类裙子看似宽松、但因收腰之后呈现极致女人味。可以由H版型改造而来,上宽下宽、腰线收紧,显得轻松随意自在,大气高级。

衬衫连衣裙

,除了常见黑白灰,玫红色衬衫裙更出彩。此时它化身外套功能,内搭黑T和卡其裤,明艳动人,不失大气。

在众多半身裙中,最能表达休闲还优雅的当然是

收腰放摆

款式了。比起铅笔裙、包臀裙的成熟,减龄青春最迷人。

这类百褶裙和正常百褶款式不同,面料飘逸、褶子之间并不密集,不挑身材更百搭。

细密百褶裙

,很细碎小量感的细密款式,显得温柔女人味十足。它需要中性的牛仔外套来调和,赋予帅气感,但精致高跟靴的点缀,却又温柔迷人。

纽扣款

,前排一条纵向纽扣点缀,让半身裙不再普通。小个子、想要显高显瘦穿它最适合,调性十足但不过分。牛仔类面料、棕色、深绿色都是不错选择。

各类西服、夹克等短外套,跟着早秋陆续登场,但最为好穿百搭是下面这些基本款。

条纹休闲西服

,经典的条纹元素结合西服版型,轻松穿出休闲正式兼具效果。它不是职场中威严气场的象征,更多代表着时髦式的休闲。

内搭连帽卫衣、白T恤、针织衫,清爽宜人好个秋!套装类也不错,但短裤款最佳。

知识点

:条纹西装的条纹越细密越暗淡越时髦,同时还百搭。

格纹西服

:带着英伦风的格纹元素,可是打造学院风的经典。穿出潇洒中性范,但不失绅士优雅感,还真少不了它。

卡其西服

,都说卡其色穿上老土,错在不会搭。内搭白T,配条红色半身裙,秒变时髦精。卡其与红色,基膜底调一致,和谐不会错。

从早秋开始的

风衣

到吃土都要入的

大衣

,是秋冬穿搭主基调,有了它们,才能美成一道光。

经典的卡其色风衣,可以不必那么正式,也不一定非要选大牌款式。越是正式越难穿出时髦,基础大翻领、自在H版型足够了,搭条纹衫、牛仔裤就很美。

配饰

:鞋子、首饰或包包是这类搭配的亮点,你要清楚搭配主次才会得心应手。

每年的秋冬衣橱是不是都有一件驼色或棕色大衣?它们的经典深入人心。想要把它们穿出好看,只需把握2点:

1.配色;2.配饰

,从风格上调和成熟,加入轻松减龄元素或单品让它更时髦。

和尚领外套

,如果遇到圆领口的外套,不管长短都可以收了。它们在秋冬非常百搭,是叠穿的经典单品,可以搭万种百变风格。

好了,以上就是

穿着挚爱的衣服活下去

的全部内容分享了。从配色到单品,包括日常穿搭的所有内容了。希望借着这些穿搭基本,能够给你带来更多穿搭灵感思路。

穿搭犹如万花筒,怎敌一双聪慧如炬般的

时尚慧眼

呢?希望你能有!

我不仅仅分享穿搭,更希望能帮助你们建立自己内在的审美体系和精神滋养体系,内外兼修,才美得长久!

如果您有困惑,可以私信哦,欢迎留言讨论哦,在变美的道路上我们一起成长,一起强大!

#今天穿什么#

蒸汽朋克插画的十一个主题

“蒸汽朋克”的美学主要来源于19世纪维多利亚时期的着装风格和工业革命时期发展出的蒸汽动力机械,以典型的怀旧装束和嵌满齿轮的配饰而闻名。但“蒸汽朋克”运动人气力爆棚还要归功于另一方面:插画艺术。

艺术家们在蒸汽朋克大背景下,进行大量地描绘创造产生不同的作品

这些作品从元素上区分,大致可分为11个主题

蒸汽朋克的主要魅力存在是来自各类独特人物的穿着、容貌和举止

类似飞船船长、背着火箭包的雇佣兵、飞天海盗等这些在蒸汽朋克中十分常见的人物

在这类插画中艺术家们常会花费大量笔墨,用明亮的色彩加上大量

插画优雅女人-穿卡其色风衣时，如何优雅时髦？日系“插画穿搭”，为你高度揭秘

穆夏的作品特点

穆夏的作品吸收了日本木刻对外形和轮廓线优雅的刻画,拜占庭艺术华美的色彩和几何装饰效果,以及巴洛克、洛可可艺术的细致而富于肉感的描绘。他用感性化的装饰性线条、简洁的轮廓线和明快的水彩效果创造了被称为“穆夏风格”的人物形象。

经过他的加工,所有的女性形象都显得甜美优雅,身材玲珑曲致,富有青春的活力,有时还有一头飘逸柔美的秀发。他的画面常常由青春美貌的女性和富有装饰性的曲线流畅的花草组成。

与别的艺术家不同,穆夏同时也是一位摄影师,他利用摄影技术来辅助他的创作。他让模特儿摆出他所需要的姿势后拍成照片,然后以照片为基础,在画面上对服饰和头发进行整理加工,经过特别的构图再加上花卉及植物花纹的装饰,最后完成他的创作。

他的很多招贴画的素材都来源于照片,他为伯恩哈特所画的许多海报也是来自艺术家的剧照或画家本人为她拍的照片。后来,穆夏就将摄影当作和速写同样重要的创作辅助工具。

扩展资料:

招贴画:穆夏为莎拉·伯恩哈特和“文艺复兴”(DeLaRenaissance)剧院创作了一系列的招贴画,这些招贴随着伯恩哈特到美国的巡回演出而带到了美国,影响了美国招贴画的风格。

装饰组画:穆夏创作了不少被称为“Panneauxdécoratifs”(围绕同一个主题创作的成套的四幅图画,常印刷在有韧性的纸或是丝绸织物上用来装饰墙壁)的装饰组画,其中包括一八九六年的“四季”、一八九七年的“四种花”、一八九八年的“四种艺术”、一九零二年的“星辰”等题材。

广告画和商品包装画:穆夏还创作了大量的广告画和商品包装画(从饼干、自行车到肥皂、香烟),因为他所画的那些甜美的女性形象和极端精致的细节描绘正合乎了当时美即意味着品质的观念。

参考资料来源:

-穆夏

时装插画：那个有着500年历史的”时尚女魔头“

时装插画已经存在了将近500年,自从有了衣服以后,就需要将设计衣服的思想或形象转化为时装插图。这种视觉形式起源于插画,绘画和油画,也被称为“时装素描”。时装设计师主要使用“时装素描”在纸上或数字方式上集思广益,它在设计中的主要作用是在缝制实际衣服之前可以预览和可视化最后的结果。

接下来,我们就分阶段的看一下时装插画这个有着500年历史的”时尚女魔头“有着怎样的历发展进程。

一.时尚插画的开始

时装插画始于16世纪,当时全球的探索和发现导致人们对世界各个国家的人们的着装而着迷。印制了说明不同社会阶层和文化适合穿着的书籍,以帮助消除对变革的恐惧和这些发现所造成的社会动荡。

在1520年至1610年之间,出版了200多种这样的版画,蚀刻版画或木刻作品集,其中包含穿着特定国籍或等级的人物的图板。这些是最早的服饰插图,也是现代时装插图的原型。这些插图很可能会被礼服设计师,裁缝师,及其客户所使用,以激发新的设计灵感。

十七世纪的艺术家雅克·卡洛(JacquesCallot)和亚伯拉罕·博斯(AbrahamBosse)都使用现代雕刻技术来制作逼真的时代服装和服饰细节。

这些期刊从1670年代开始在法国和英国开始发行,被认为是第一本时尚杂志,其中包括LeMecureGallant,TheLady'sMagazine,LaGalleriedesModes,LeCabinetdesModes和LeJournaldesDamesetdesModes。在此期间,出版期刊的数量有所增加,这是对市场中越来越渴望了解最新时尚新闻的女性读者的反应。直到在18世纪末和19世纪初,男性风格的插图才变得与女性插图同样重要。

二.十九世纪的时尚图样(Thefashionplate)

时装图样(Thefashionplate)在18世纪后期独占鳌头,在巴黎风靡一时,期间诸如HoraceVenet的《IncroyablesetMerveilleuses》等出版物,以及在拿破仑一世时期的乔治·雅克·加丁(Georges-JacquesGatine)雕刻的一系列水彩时装图都名噪一时。

法国作为时尚仲裁者的地位确保了国内外对时尚插画的不断需求。这种对流行服饰的兴趣以及对流行服饰的获取日益广泛,导致在19世纪出现了150多种时尚期刊。这些高度详细的时装插图捕获了时装趋势的信息,并提供了一般的制衣指导。

高级服装定制也是这个阶段出现的(出现在1860年代),时装公司聘请了插画家,他们将与女装设计师直接合作,设计师将织物挂在现场模型上时,插画家则会勾勒出新设计的草图。他们还会在完成的系列中绘制每个设计的插图,然后可以将其发送给客户。

到19世纪末,手工彩色印刷被全彩色印刷所取代。时装图样开始使用两个人物,其中一个人物可以从背面或侧面看到,以便可以从更多角度看到服装,从而使复制更加容易。19世纪插画家的重点是准确性和细节性。他们遵守静态的图像约定,以便为观看者提供全面的信息和指导。

三.二十世纪的时尚杂志和插图

二十世纪初期的几十年来,现代意义上的时装插画首次开花。随着最新时装样式的发行变得越来越有利可图,时装插画师的工作成为一种职业。时尚以前是单个艺术家的作品,现在正成为一个行业,以前所未有的数量生产新商品,以填补百货公司的空缺。这些商店发明了一种新的全名消遣方式-购物文化。

法国奢侈杂志《宪报》(Gazettedubonton)于1912年至1925年出版,汇集了一群年轻艺术家,他们在诠释时尚方面获得了前所未有的自由。伊里贝(Iribe)是这些时尚插画家之中的****,为著名的出版物做出了贡献,其中还包括查尔斯·马丁(CharlesMartin),爱德华多·加西亚·贝尼托(EduardoGarciaBenito),乔治·巴比耶(GeorgeBarbier),乔治·勒帕佩(GeorgesLepape)和翁贝托·布鲁内莱斯基(UmbertoBrunelleschi)。他们为《宪报》制作的印版展示了日本木刻版印刷品的影响,以及装饰艺术风格新的变化。

在美国,大众市场时尚杂志《Vogue》和《Harper'sBazaar》涵盖了社交场合以及当代服装的流行趋势。Harper'sBazaar杂志与鬼才埃特(Erte)签订了独家合同,该合同从1915年持续到1938年,是出版历史上最长的合同之一。

从1910年到第二次世界大战爆发,《Vogue》杂志的封面始终带有插图。Vogue的早期封面展示了由美国插画家海伦·德莱顿(HelenDryden),乔治·沃尔夫·普朗克(GeorgeWolfPlank),乔治·勒帕佩(GeorgesLepape),莱恩德克尔(F.X.Leyendecker)创作的艺术品。

第一次世界大战后,欧洲艺术家加入了他们的行列,其中包括爱德华多·贝尼托(EduardoBenito),查尔斯·马丁(CharlesMartin),皮埃尔·布里索(PierreBrissaud)和安德烈·马蒂(AndreMarty)。

四.时尚插画的黄金时代

1920年代到1930年代代表着时装插画的“黄金时代”。每个商业艺术家都被认为是时装艺术家,都是完美的绘图员。许多人能够凭权威和信念来代表织物的质地,光泽甚至重量。

摄影和印刷的新技术发展开始将照片的复制直接放置在杂志的页面上,这意味着时尚图样不再是现代生活的代表。到1930年代初,照片开始成为杂志的首选,Vogue杂志在1936年报道说,摄影封面的销售情况更好,插图开始被放入到内页。

随着1929年股市崩盘后的经济衰退,美国时装业对巴黎时装的依赖程度有所降低。在两次世界大战期间,美国的服装制造取得了长足的进步,改进了大规模生产方法并标准化了尺码。中产阶级妇女依靠熟练的裁缝师以负担得起的价格可以购买最新的时装设计,而诸如Vogue和Women'sJournal这样的杂志出版的图案对于家庭裁缝师来说是无价的。

Vogue杂志的主要目的是尽可能向读者展示时尚,摄影使插画家摆脱了对服装进行精确记录的需求,而更倾向于诠释时髦的服装。据该杂志的出版商抱怨说:“艺术家们主要是对获得有趣的图画和装饰效果感兴趣,他们被忠实地报道当代时尚精神的任何事情所累,因此感到无聊。”

迪奥在1940年代后期的“NewLook”为战后时尚复兴提供了灵感。从许多方面来说,这是一种倒退的风格,回到过去而不是对未来进行展望,但它也象征着回到更加开朗,乐观的时代。

五.时尚插画的毁灭与复兴

到1950年代,时装编辑已经将更多预算用于摄影的编辑传播。随后将时尚摄影师提升为名人,这意味着插画家必须满足于制作内衣和配饰的文章,或从事广告活动。

1960年代,时尚插画在杂志出版业中的地位不断消失,这一趋势在面向青年的青少年杂志的新类别中有所体现,1960年代发行了许多此类杂志,所有这些插图都将插画作为摄影的廉价替代品。

安东尼奥·洛佩兹(AntonioLopez)是这期间唯一在Vogue杂志上定期亮相的艺术家,他的职业生涯始于《女装日报》。

在20世纪下半叶,时装插图一直难以生存,直到1980年代才开始复兴。新一代艺术家在诸如LaModeenpeinture(1982),CondeNast’sVanity(1981)和Visionaire(1991)之类的杂志中都有发行。这种复兴归功于广告活动,特别是Barney在1993-1996年的纽约广告活动。

六.今天的时尚插画

介于精美艺术和商业艺术之间,时装插画在最近被重新评估为一种重要的流派。由于美丽和优雅在时尚和艺术领域都已过时,因此时尚插画有时看起来像是回到了更早的时代。

摄影术非常擅长记录服装的详细信息,因此插画家的重点不再是服装的精确呈现,而是解释服装和可能的穿着者。在二十世纪末和二十世纪初,由于数字工具和社交媒体平台的支持,它发展出了一系列独特的艺术风格。1990年代,先驱插画师EdTsuwaki,GrahamRounthwaite,JasonBrooks和KristianRussell等在计算机绘图领域开始兴起。

这一时期见证了计算机设计程序AdobePhotoshop和Illustrator的出现,也见证了传统的基于艺术的时装插画形式的复兴。纽约的帕森斯设计学院和FIT学院开始提供插图作为其时装课程的专用元素。手工制作的“传统”插图一直在复兴,时装插画家经常回望过去的大师,寻求风格灵感。以经典方法为基础的时装插图已成功地与更现代的流程所创造的插图相得益彰。

最近,插图通过时装设计师和插画家之间的合作而流行。随着社交媒体的使用,时装插画家开始引起人们的关注。时尚插图充满活力色彩,错综复杂的图案和无穷无尽的个性,给人留下深刻的印象。

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穿卡其色风衣时，如何优雅时髦？日系“插画穿搭”，为你高度揭秘

4月

的天气依旧是忽冷忽热,令人难以捉摸的。时而晴空万里、时而狂风大作,但春季的风拂到脸上是轻柔的,不似寒风般那般凛冽陡峭,虽有凉意,但是期望和希冀却从心底油然而生。每每到了这个时候,叱咤风云在衣橱内的

风衣

外套,总是乱穿衣时节的救星。

所有的单品都可以一分为二来看,

甲之蜜糖、乙之砒霜

,但风衣还真是特别,几乎没有不适合它的人群、也找不到不喜欢穿风衣的女人,它能游刃有余地驾驭各类场合,满足你内心想要的:洒脱高级、优雅随性、简约大方、威武帅气......用它,你可以随心所欲的搭配出各种各样的风格,轻松的时髦也不过如此吧。

所以呢,我们就借着日本“

手绘穿搭

”来为大家解析经典

卡其色风衣

的穿搭之道,虽然是很基础的单品,但想要将它穿得高级又时髦,还真需要一些配色上和搭配上的技巧,下面我们就马上开始吧!

Look1:卡其色风衣+白色内搭

手绘穿搭有一个很大的好处就是人物的五官都特别的立体鲜明,我们可以通过模特的表情以及眼神去揣测人物的心情,这也是绘画的乐趣呢。

①

暖色调的卡其色风衣,微阔的垫肩设计、收放自如的版型款式、成熟稳重的大地配色、宽大休闲的口袋,这些小细节都为整体

注入着时髦

。若是肤色不够亮白的女生,最害怕的就是卡其色显得肤色暗淡,这时就可以内搭一件白色的圆领打底衫,提亮肤色、聚焦亮点。粉色裤阔腿裤迎合春意浪漫的基调,一个藤编包、一双旅游鞋,好一副

舒适自在

的模样。

②

这件卡其色风衣只有两颗对称的扣子设计,版型宽松张力感十足,对内搭的包容性极强,她搭配了一件半高领的白色衬衫合计九分牛仔裤,大气端庄又不失潇洒,一点点衬衫的蕾丝边元素,足以出卖成熟女性隐藏的

甜美少女心

③

浅卡其色风衣+白色圆领T恤+卡其色九分裤,同为大地色搭配,利用一抹清爽白色来区分出层次,错落有序、深浅不一,

舒服

到心坎里。再来品品细节:珍珠项链点缀出光洁优雅的女人本色;紫色的手提包犹如点睛之笔,为黯淡无神的色彩注入青春俏皮的气息;棕色袜子和白色单鞋自然不必说,日系轻熟风的标配,让整体气质变得

乖巧可人

将内搭换成带有元素渲染的卡通款式,

休闲小男孩风

立增几分,高腰阔腿牛仔裤太修饰腿型了,拉长比例,显高显瘦,通通不在话下。帆布鞋带出休闲个性,因呼应T恤花色而呈现和谐。

露出手腕、脚踝、颈部,这些纤长纤细的女性部位,天然的点缀肤色可以打破基础款的局限与古板,对于职场女性来说,一味大胆过分的裸露,真的不如隐晦的

撩拨

与分寸迷人。

O型

的卡其色风衣,这次采取保守的穿法,将扣子系起来穿,只留出内搭的一个边缘,一点点纯洁的白,总是能激发别致的

优雅大气

之美,让普通的穿搭质感得到升华。想要女人味?一条腰带就可以解决。缠绕在腰间的黑色丝带,勾勒出蜿蜒纤细的腰身,尽显女人曲线,带着潇洒凛冽的大女子穿搭,原来也能如此的

风情和浪漫

①

依旧是卡其色风衣+白色T恤的组合,但是将小圆领换成是小V领,散发着自然通透的小性感,像是这类基础款搭配,

配饰

自然是一刻都不能疏忽。绿色包袋提高穿搭明亮度、黑色的贝雷帽带着复古优雅的基因特点,这些细节都非常的抓眼球。

②

春天的风衣一定要选择垂感好的,细致干练的肩线、流畅利落的版型、直线流畅的线条,这些元素都决定了这件卡其色风衣,颇具高级帅气的风范,很适合打造出通勤职场的风格。一条墨绿色的丝绒阔腿裤,摇曳着雍容华贵情怀。一条金色的项链、一个橘色的单肩背包、一顶灰色的贝雷帽,细节上的补充,让基础款

熠熠生辉

③喜欢

低调含蓄

的女生,一般不会轻易地使用彩色。在她们眼里:卡其色、白色、黑色,就足够搭遍春日的所有时髦。初入职场的女生可以这样穿:卡其色风衣,六粒扣设计更具休闲超酷的本性,搭配白色T和黑色的阔腿裤,在收放自如的衣服廓形里,将想要的舒适自在与慵懒

悉数释放

。一双黑色尖头高跟鞋提升起气质,调节着阔腿裤和宽松上衣的拖沓,让造型风趣精致极了。

①

这件风衣有很大的一个特点就是画着挡风片,沉稳卡其色+娘man宽松版型+潇洒挡风片,完美诠释走路带风的

大女子气场

,用白色圆领打底衫和条纹阔腿裤,来平衡紧绷肃穆的风衣设计,这技巧百试百灵。穿着者游离在帅气不羁与慵懒闲适之间,散发着淡泊从容、柔而不弱的气质,每个细节都在暗暗发力,你爱了吗?

②老三件

不变,准备好风衣、白色V领打底、直筒牛仔裤,有这三件基本款,毫不费力的时髦就有足够的底气了。她这里搭配了硬朗尖锐的尖头鞋和黑色包包,推波助澜,强化风格,让

飒酷之美

尽现。若是你不想拥有摧枯拉朽的威力,也可以搭配白色的单鞋,拎上小巧的云朵包,温柔雅致的女人味输出,想必也没有哪个女人能够拒绝吧。

③这套Look显然温柔淑女了许多,体现在:附和体型的剪裁设计、俏皮俊美的浪漫紫色、华丽轻奢的花朵装饰、少女温柔心泛滥的荷叶边元素,这一套赢在了,漫不经心所流露出的

温文尔雅

的贵妇气质,高级感诠释到这里,已经足够了。

Look2:卡其色风衣+黑色内搭

①

不管内搭的颜色如何变化,我们都要谨记住让

色彩有所呼应

。例如:卡其色西装+黑色内搭,一款黑色的链条包包贯穿于身体间,并与内搭配色握手言和,共同谱写无声的时尚与和谐。红色尖头鞋分外耀眼,不多不少的

精致

与优雅,在质朴间静悄悄地绽放。

②

当内搭都是一身黑色的时候,就变成了很简单的

黑+卡其色

组合,大气沉稳又极具力量感,一个小小的斜挎包,锁住了观赏者的目光,提高着腰线、聚焦着亮点、让观众的视线都停留在上半身、成全内心想要的显高显瘦。

③

像是这套穿搭,简单的单品叠加,穿得多了难免有些

无聊

,她将内搭换成是多姿多彩的黑色印花T恤,让本来端庄正式的氛围里、透出一丝丝的潮酷街头范,低垂的马尾、黑色的学生帽、露出的脚踝,哪一样不是

细心研究

过的?

①

短款的风衣外套搭配黑色的连衣裙,

温柔婉约很清新

,裙子本身的线条又曲又直,略带鱼尾裙的裙摆,将灵动少女心荡漾开来,融化在极简线条里。休闲鞋、珍珠项链、慵懒盘发,用微妙的青春少女气息,去调节风衣的中性与帅气,

风格碰撞

掌握住了穿搭精髓。

②

一件长款的卡其色风衣+黑色打底衫+白色牛仔裤,在展示高冷气魄的极简美学同时,还带着一丝丝的随意,内叠一件格纹衬衫增加层次感,缔造文艺学院风情,舞动时髦。

Look3:卡其色风衣+条纹衫

黑白海魂衫也是衣橱中的经典款式,外搭一件卡其色风衣、配以白色牛仔裤,凸显干练利落的率性格调,印花头巾、珍珠耳坠、个性黑色潮包、粉色春款高跟鞋,都是品质不俗的细节,将优雅浪漫的日系情调,运用在了职场穿搭中,令人

耳目一新

这套Look更加偏休闲一些,重点就在于海魂衫和风衣外套里面,还叠穿了一层灰色的连帽卫衣,用卫衣自带的轻松愉悦的氛围、来中和外套的肃穆再合适不过了,风格碰撞与自我协调,这样的造型注定是不平凡的,与

时髦为伴

这套穿搭和上衣套有

异曲同工

之妙,讲究的衣服版型、高级低调的配色、宽松却得体的尺寸,这随性而发的慵懒舒适姿态,被完美的呈现出来,感染着众人。这套Look的聚焦点在于配饰的调和作用:白色礼帽注入绅士英伦风的贵气,将

甜酷清雅之美

和盘托出。

黑白色的穿腻了,也可以换成是蓝白相间、或者是绿白相间的条纹,在基本造型上增加亮点,外搭风衣,下配运动鞋,

大气潮酷又不失精彩

。将休闲运动与端庄优雅都平衡得刚刚好。

好啦,以上就是

插画师

笔下的风衣搭配,运用到的依旧都是一些常见的款式,无一例外。希望能给大家更多的穿衣灵感,那我们下期再见啦。

校服怎么穿好看集思广益校服怎么穿好看

活泼可爱的少男少女们，还在为首先，校服怎么穿好看这个问题，针对不同类型的校服有不同的搭法。如果是是衬衫加半身裙的话，那么可以参照日本小清新风格，配一些比较鲜亮的饰物，如颜色比较亮的手表，发夹等，疏一个比较俏皮的发型，如斜马尾，既活泼又不夸张，比较适合性格稍微文静的童鞋。当然也可以效仿欧美的爵士风，只不过国内的校服裙子都偏长，可能效果不是很好，不过也可以借助配件搭配尝试一下。

时装插画psd-当下最红、最引人注目的时尚插画在此！

时装插画：那个有着500年历史的”时尚女魔头“

时装插画已经存在了将近500年,自从有了衣服以后,就需要将设计衣服的思想或形象转化为时装插图。这种视觉形式起源于插画,绘画和油画,也被称为“时装素描”。时装设计师主要使用“时装素描”在纸上或数字方式上集思广益,它在设计中的主要作用是在缝制实际衣服之前可以预览和可视化最后的结果。

接下来,我们就分阶段的看一下时装插画这个有着500年历史的”时尚女魔头“有着怎样的历发展进程。

一.时尚插画的开始

时装插画始于16世纪,当时全球的探索和发现导致人们对世界各个国家的人们的着装而着迷。印制了说明不同社会阶层和文化适合穿着的书籍,以帮助消除对变革的恐惧和这些发现所造成的社会动荡。

在1520年至1610年之间,出版了200多种这样的版画,蚀刻版画或木刻作品集,其中包含穿着特定国籍或等级的人物的图板。这些是最早的服饰插图,也是现代时装插图的原型。这些插图很可能会被礼服设计师,裁缝师,及其客户所使用,以激发新的设计灵感。

十七世纪的艺术家雅克·卡洛(JacquesCallot)和亚伯拉罕·博斯(AbrahamBosse)都使用现代雕刻技术来制作逼真的时代服装和服饰细节。

这些期刊从1670年代开始在法国和英国开始发行,被认为是第一本时尚杂志,其中包括LeMecureGallant,TheLady'sMagazine,LaGalleriedesModes,LeCabinetdesModes和LeJournaldesDamesetdesModes。在此期间,出版期刊的数量有所增加,这是对市场中越来越渴望了解最新时尚新闻的女性读者的反应。直到在18世纪末和19世纪初,男性风格的插图才变得与女性插图同样重要。

二.十九世纪的时尚图样(Thefashionplate)

时装图样(Thefashionplate)在18世纪后期独占鳌头,在巴黎风靡一时,期间诸如HoraceVenet的《IncroyablesetMerveilleuses》等出版物,以及在拿破仑一世时期的乔治·雅克·加丁(Georges-JacquesGatine)雕刻的一系列水彩时装图都名噪一时。

法国作为时尚仲裁者的地位确保了国内外对时尚插画的不断需求。这种对流行服饰的兴趣以及对流行服饰的获取日益广泛,导致在19世纪出现了150多种时尚期刊。这些高度详细的时装插图捕获了时装趋势的信息,并提供了一般的制衣指导。

高级服装定制也是这个阶段出现的(出现在1860年代),时装公司聘请了插画家,他们将与女装设计师直接合作,设计师将织物挂在现场模型上时,插画家则会勾勒出新设计的草图。他们还会在完成的系列中绘制每个设计的插图,然后可以将其发送给客户。

到19世纪末,手工彩色印刷被全彩色印刷所取代。时装图样开始使用两个人物,其中一个人物可以从背面或侧面看到,以便可以从更多角度看到服装,从而使复制更加容易。19世纪插画家的重点是准确性和细节性。他们遵守静态的图像约定,以便为观看者提供全面的信息和指导。

三.二十世纪的时尚杂志和插图

二十世纪初期的几十年来,现代意义上的时装插画首次开花。随着最新时装样式的发行变得越来越有利可图,时装插画师的工作成为一种职业。时尚以前是单个艺术家的作品,现在正成为一个行业,以前所未有的数量生产新商品,以填补百货公司的空缺。这些商店发明了一种新的全名消遣方式-购物文化。

法国奢侈杂志《宪报》(Gazettedubonton)于1912年至1925年出版,汇集了一群年轻艺术家,他们在诠释时尚方面获得了前所未有的自由。伊里贝(Iribe)是这些时尚插画家之中的****,为著名的出版物做出了贡献,其中还包括查尔斯·马丁(CharlesMartin),爱德华多·加西亚·贝尼托(EduardoGarciaBenito),乔治·巴比耶(GeorgeBarbier),乔治·勒帕佩(GeorgesLepape)和翁贝托·布鲁内莱斯基(UmbertoBrunelleschi)。他们为《宪报》制作的印版展示了日本木刻版印刷品的影响,以及装饰艺术风格新的变化。

在美国,大众市场时尚杂志《Vogue》和《Harper'sBazaar》涵盖了社交场合以及当代服装的流行趋势。Harper'sBazaar杂志与鬼才埃特(Erte)签订了独家合同,该合同从1915年持续到1938年,是出版历史上最长的合同之一。

从1910年到第二次世界大战爆发,《Vogue》杂志的封面始终带有插图。Vogue的早期封面展示了由美国插画家海伦·德莱顿(HelenDryden),乔治·沃尔夫·普朗克(GeorgeWolfPlank),乔治·勒帕佩(GeorgesLepape),莱恩德克尔(F.X.Leyendecker)创作的艺术品。

第一次世界大战后,欧洲艺术家加入了他们的行列,其中包括爱德华多·贝尼托(EduardoBenito),查尔斯·马丁(CharlesMartin),皮埃尔·布里索(PierreBrissaud)和安德烈·马蒂(AndreMarty)。

四.时尚插画的黄金时代

1920年代到1930年代代表着时装插画的“黄金时代”。每个商业艺术家都被认为是时装艺术家,都是完美的绘图员。许多人能够凭权威和信念来代表织物的质地,光泽甚至重量。

摄影和印刷的新技术发展开始将照片的复制直接放置在杂志的页面上,这意味着时尚图样不再是现代生活的代表。到1930年代初,照片开始成为杂志的首选,Vogue杂志在1936年报道说,摄影封面的销售情况更好,插图开始被放入到内页。

随着1929年股市崩盘后的经济衰退,美国时装业对巴黎时装的依赖程度有所降低。在两次世界大战期间,美国的服装制造取得了长足的进步,改进了大规模生产方法并标准化了尺码。中产阶级妇女依靠熟练的裁缝师以负担得起的价格可以购买最新的时装设计,而诸如Vogue和Women'sJournal这样的杂志出版的图案对于家庭裁缝师来说是无价的。

Vogue杂志的主要目的是尽可能向读者展示时尚,摄影使插画家摆脱了对服装进行精确记录的需求,而更倾向于诠释时髦的服装。据该杂志的出版商抱怨说:“艺术家们主要是对获得有趣的图画和装饰效果感兴趣,他们被忠实地报道当代时尚精神的任何事情所累,因此感到无聊。”

迪奥在1940年代后期的“NewLook”为战后时尚复兴提供了灵感。从许多方面来说,这是一种倒退的风格,回到过去而不是对未来进行展望,但它也象征着回到更加开朗,乐观的时代。

五.时尚插画的毁灭与复兴

到1950年代,时装编辑已经将更多预算用于摄影的编辑传播。随后将时尚摄影师提升为名人,这意味着插画家必须满足于制作内衣和配饰的文章,或从事广告活动。

1960年代,时尚插画在杂志出版业中的地位不断消失,这一趋势在面向青年的青少年杂志的新类别中有所体现,1960年代发行了许多此类杂志,所有这些插图都将插画作为摄影的廉价替代品。

安东尼奥·洛佩兹(AntonioLopez)是这期间唯一在Vogue杂志上定期亮相的艺术家,他的职业生涯始于《女装日报》。

在20世纪下半叶,时装插图一直难以生存,直到1980年代才开始复兴。新一代艺术家在诸如LaModeenpeinture(1982),CondeNast’sVanity(1981)和Visionaire(1991)之类的杂志中都有发行。这种复兴归功于广告活动,特别是Barney在1993-1996年的纽约广告活动。

六.今天的时尚插画

介于精美艺术和商业艺术之间,时装插画在最近被重新评估为一种重要的流派。由于美丽和优雅在时尚和艺术领域都已过时,因此时尚插画有时看起来像是回到了更早的时代。

摄影术非常擅长记录服装的详细信息,因此插画家的重点不再是服装的精确呈现,而是解释服装和可能的穿着者。在二十世纪末和二十世纪初,由于数字工具和社交媒体平台的支持,它发展出了一系列独特的艺术风格。1990年代,先驱插画师EdTsuwaki,GrahamRounthwaite,JasonBrooks和KristianRussell等在计算机绘图领域开始兴起。

这一时期见证了计算机设计程序AdobePhotoshop和Illustrator的出现,也见证了传统的基于艺术的时装插画形式的复兴。纽约的帕森斯设计学院和FIT学院开始提供插图作为其时装课程的专用元素。手工制作的“传统”插图一直在复兴,时装插画家经常回望过去的大师,寻求风格灵感。以经典方法为基础的时装插图已成功地与更现代的流程所创造的插图相得益彰。

最近,插图通过时装设计师和插画家之间的合作而流行。随着社交媒体的使用,时装插画家开始引起人们的关注。时尚插图充满活力色彩,错综复杂的图案和无穷无尽的个性,给人留下深刻的印象。

欢迎围观公号『绘实践』,可免费领取插画师绘画秘籍大礼包,了解世界商业插画价格行情。

时装插画基础|时装人体比例详细图文步骤教程

时装人体也被称为“草图”人体,是基本的时装体形,我们可以在画出人体的基础上设计服饰或绘制平面图,这也是时装插画的起点。

勾画时装人体草图

首先,必须要先熟悉比例的一些规则。

时装人体用“头长”来计量,每个头长代表1英寸。正常情况下时装人体基本是10头长的,但不代表9或11头长就完全不正确了,更多时候是需要根据绘制的服饰特点来决定。比如宽松的衬衫,大衣袖或大领子,而且有很多紧身胸衣的细节时,可能要有更长的腰部和脖子;如果是夸张的蝙蝠袖,手臂应该更长一些。如果是裙子,就需要腿部更长一些。

不同的服饰需要不同的焦点,不同的焦点需要不同的夸张画法。

下面以10头长人体举例:

1.在纸上画一条垂直线,然后等分成10个区间。最顶端的线为0,最底端的线为10。

每条线都代表着人体不同的部位。

2.头部:在0~1之间,画一个椭圆。下巴正好位于线条1上。

3.肩颈:在1~2之间画出脖子和肩膀。肩宽大约为1.5个头长(特殊款式的服饰可能不同)。

4.腰臀:从肩膀两端(肩线)分别向下画一条线到腰线位置,腰部宽度大约为头长的3/4。从腰身两端(腰围线)分别画一条线到臀部(臀部最高点4),臀部宽度大于头长和腰部,小于肩宽。

5.腿部:从臀部两端分别画一条逐渐收细的直线,从4~10。

6.脚部:在腿部下端外侧分别画一个三角形。三角形的底边为脚趾,在线条10上,三角形顶点为脚踝。

7.手臂:在肩线位置分别向下画逐渐收细的线条至手腕处。

8.手部:用矩形和三角形粗略画出手部,指尖在线条5上。

现在已经画出一个粗略的基本人体了。

9.修匀人体的各部位。(头部,脖子与肩部自然衔接,腋窝到腰部,上臀围的线条,臀部,胯部到脚踝,双脚,手臂)

关于时装人体理想的体型比列问题,其实需要灵活看待,并且还要接受时装的变化。某个年代看起来完美的东西,在另一个年代看起来可能会特别奇怪。比如用现在的标准来看20世纪50年代的梦露,可能很多人会觉得她有点胖~

以下标准决定了某个时代的“完美”时装人体:

那个时代的模特或名人

强调身体的部位和人物的某种姿态

合身的服饰和内衣或者其他装饰,或没有装饰

总体来说时装人体必须比普通人体更高一些,这样才能更好的展示时装,在照片或者艺术作品中凸显时装的效果。

感谢你常来!

更多精彩手绘教程,请关注后续更新。(文章首发微信公众号,大家可以留言说出感兴趣的内容哦)

时装插画|不会画效果图,从油画棒开始~零基础也能完美逆袭

教程|歪果仁的花生鸡零基础手绘彩铅

世|十里桃花不如一盘陈麻婆豆腐零基础手绘彩铅教程(2)

当下最红、最引人注目的时尚插画在此！

当红时尚插画师HelenDownie作品

时尚插画作为元老级视觉传达媒介,在新时代不仅没有停止发展,更衍生出了许多风格迥异的新表达形式。当下最红、最引人瞩目的时尚插画师及其作品,你知道几个?

时尚插画的黄金时代

早期,时尚插画与时尚杂志的倾力合作促成其进入过一个全盛时期。那时的杂志从封面到内页几乎无一例外地需要使用插画做配图。那时的读者是从一幅幅精美的插画中接收时尚、艺术、品位等信息的。可以说,那时的时尚杂志与时尚插画是互相成就的关系。

Harper'sBazaar杂志封面

时尚插画与时尚品牌的碰撞

到了数码时代,摄影作品已成为杂志刊物的主要视觉传播源。虽然以时尚插画为主要宣传媒介的杂志时代已终结,但时尚插画行业并未因此沉睡,而是朝着新方向不断发展、进化着。

时尚插画与时尚品牌合作,便是当下发掘出的最成功的新道路。Gucci作为时下最具话题性的品牌,经常在社交媒体里搜寻一些当红插画师进行合作。

以下这些充满色彩、富有诗意的作品都是插画师HelenDownie创作的。值得一提的是,这位极具专业水准的插画师其实是一位非科班出身的主妇,她的传奇经历与她的画作同时走红网络。再加上她的作画风格与Gucci推崇的新美学理念出奇相似,让品牌创意总监一眼就相中了她的作品并展开了一系列的深度合作。

HelenDownie作品

虽然已是一位母亲,但是她天马行空的作品中总是流露出些许少女的纯真感。尤其是画作人物中那一双双天真的大眼睛,奇特又充满童趣。

HelenDownie作品

然而,这并不是Gucci第一次与时尚插画师合作了。早前,此品牌还曾邀请另一位插画师AlexMerry展开过一次更“艺术式”的合作。

从纽约到伦敦、米兰到上海,凡是有艺术墙的城市几乎一夜间被Alex这些创意十足的时尚插画作品所占据。这样巨型时尚插画作品如此呈现,实属罕见,所以当艺术墙面的一发布,立刻就引起了网络上的一阵骚动。

AlexMerry作品

除此之外,Gucci还将插画作品中的产品制作出来售卖,让所有为之心动的消费者都能找到并拥有这些产品。他们将这些梦幻般的理想产物变为了现实。另一方面,观者从这些浪漫主义风格的时尚插画作品可以看出,时尚插画的风格早已不再单一。

AlexMerry作品

说起时尚插画与品牌的跨界合作,那就不得不提Prada。在2018年男装春夏系列大秀上,品牌就邀请了插画师JamesJean进行二度合作,可见他作品的受瞩目程度。

JamesJean与OliverSchrauwen作品

此次,JamesJean与比利时涂鸦艺术家OliverSchrauwen联手创作了秀场空间的插画作品。观秀者望着这些画面感十足的作品,就像在看一页页现场版妙趣横生的连环画。

与此同时,作者也为Prada专门制作了同样风格的插图版宣传视频。James这种酷劲十足的插画风格,与Prada未来感的时装风格相结合,显得相得益彰。

JamesJean作品

同年在Prada的女装秀上,品牌同样选择了与时尚插画师们联手。此次合作请来了八位女性插画师:StellarLeuna、TrinaRos、BrigidElva、JoelleJones、GiulianaMaldini、NatsumeOno、EmmaRíos和FionaStaples。

她们除了共同打造了秀场空间内的墙壁作品外,还将插画作品完美融入了新一季的时装系列。他们的漫画风格作品给时尚注入活力的同时,也增加了时尚插画作品走向风格化的可能性。

时至今日,时尚插画作品早已不再墨守成规,只要你愿意动笔,人人皆可创作出属于自己的插画作品。

GraceCoddington作品

先锋时尚插画

除了与时尚品牌跨界合作外,还有一些职业时尚插画师坚持着进行独立创作。他们在掌握插画基本技法的同时,将时尚插画的绘画形式进行延展、探究,揣摩出了自成一派的风格。

先锋时尚插画师VelwynYossy就描绘出了一系列别具一格的作品。从他作品中人物流畅、利落的线条,与夸张却依然恰到好处的整体比例中可看出,他一直奉行着现代主义的美学理念。

VelwynYossy作品

而另一新星时尚插画师ErnestoArtillo则将时尚插画延展至更为抽象的方向。他独树一帜的视觉表现手法打破了大众对时尚插画表现形式的传统认知。

他近期一些超现实主义般的作品将动与静、虚与实的事物相结合,用手绘加拼贴的方式将插画的视觉冲击力无限放大,赋予了静态为主的时尚插画几分动势。

ErnestoArtillo作品

他的创意作品不仅仍然长期刊登在各大杂志上,而且还时常在世界各地展出。ErnestoArtillo说:“我希望看到自己的作品时感到既放松又激动。平时生活中也一样,我会寻找当中的平衡,也会找寻怎么可以打破现有的状态。”

ErnestoArtillo作品

纵使时尚插画的黄金时期已逝去,但不可否认的是,时尚插画依然在时尚领域占有一席之地,并同时饱含极高的艺术价值。

时尚插画是少数可以将商业与艺术做到完美结合的行业,而当下受到追捧的插画作品的不断涌现,更是增添了时尚插画继续前行的可能。

JamesJean动态时尚插画作品

了解完这些最红、最引人注目的时尚插画作品,大家皆可提起笔去尝试发掘时尚插画新道路。下一个当红炸子鸡,也许就是你。

精彩回顾:

[编辑、文/陈卓]

湖南广益的一位班主任带来了150封给袁爷爷的信，你有什么想对他说的吗？

我有很多想对他说的话，但是也没有机会当面传输，他老人家已经过世，但是我们每一个人都以自己独特的方式对他进行缅怀。在他去世以后，不论是在那种场合，还是在交流平台上，我们都表示出了对老人家的怀念，同时也愿意将他的意志继承下来，通过我们的日常生活当中节约粮食的举动，表达出对老人家的纪念，由此来感恩他对我们人类生活所作出的贡献。

我想对他说的是感谢他为我们的生活所做出的一切，感谢他解决了我们人类吃饱饭的问题，因为在上个世纪70年代的时候，我们国家就面临着这样的难题，大家都没有办法满足自己的生活需求。但是就在那个科技本就不发达的年代，袁隆平也是也是肩负重任，开始了研发杂交水稻，并且杂交水稻的突破也是成功的解决了我们的粮食问题。同时随着时代的发展，在现在杂交水稻的亩产量也是在不断的提升，而且也帮助了非洲这种贫困地区的人民渡过难关。所以我想对他说的是感谢他对我们的人类社会所做出的贡献，感谢出他所给予我们的和谐社会，感谢他所为我们提供的粮食。

我还想再他说的是希望他老人家有机会的时候更多的享受生活，而不是将一门心思全部都放在科学研究上，还要注重自己的身体，因为我们能够了解到袁隆平院士的身体出现状况，就是因为91岁的时候还下田进行视察，因为不幸摔倒，才导致自己的身体出现了各种各样的疾病。那么我想跟他说的就是，虽然科学研究是他一辈子的命根，但是在身体出现困难的时候，我们还是要以身体为重，因为他是对我们的社会有巨大贡献的人，他是我们国家的国宝，所以我们应该对他进行保护，而不应该将这样的重任全部都压在自己的身上，他可以提供知识讲解，但是还是要将苦力活让年轻人去干。

我还想对他说的就是这盛世如你所愿，我们的幸福生活也是由你所带来的，所以你能够更多的享受我们的社会，因为我们能够看到袁隆平院士身上的衣服也仅仅剩二十几块钱的衬衫，并且很多年都没有更换。我们在享受生活的时候，更不能够遗忘掉这样的生活是袁隆平院士所带来的福利，所以我想让他更多的享受生活，享受我们年轻人与他所共存的幸福时代。

时尚插画设计图-时装插画基础|时装人体比例详细图文步骤教程

当下最红、最引人注目的时尚插画在此！

当红时尚插画师HelenDownie作品

时尚插画作为元老级视觉传达媒介,在新时代不仅没有停止发展,更衍生出了许多风格迥异的新表达形式。当下最红、最引人瞩目的时尚插画师及其作品,你知道几个?

时尚插画的黄金时代

早期,时尚插画与时尚杂志的倾力合作促成其进入过一个全盛时期。那时的杂志从封面到内页几乎无一例外地需要使用插画做配图。那时的读者是从一幅幅精美的插画中接收时尚、艺术、品位等信息的。可以说,那时的时尚杂志与时尚插画是互相成就的关系。

Harper'sBazaar杂志封面

时尚插画与时尚品牌的碰撞

到了数码时代,摄影作品已成为杂志刊物的主要视觉传播源。虽然以时尚插画为主要宣传媒介的杂志时代已终结,但时尚插画行业并未因此沉睡,而是朝着新方向不断发展、进化着。

时尚插画与时尚品牌合作,便是当下发掘出的最成功的新道路。Gucci作为时下最具话题性的品牌,经常在社交媒体里搜寻一些当红插画师进行合作。

以下这些充满色彩、富有诗意的作品都是插画师HelenDownie创作的。值得一提的是,这位极具专业水准的插画师其实是一位非科班出身的主妇,她的传奇经历与她的画作同时走红网络。再加上她的作画风格与Gucci推崇的新美学理念出奇相似,让品牌创意总监一眼就相中了她的作品并展开了一系列的深度合作。

HelenDownie作品

虽然已是一位母亲,但是她天马行空的作品中总是流露出些许少女的纯真感。尤其是画作人物中那一双双天真的大眼睛,奇特又充满童趣。

HelenDownie作品

然而,这并不是Gucci第一次与时尚插画师合作了。早前,此品牌还曾邀请另一位插画师AlexMerry展开过一次更“艺术式”的合作。

从纽约到伦敦、米兰到上海,凡是有艺术墙的城市几乎一夜间被Alex这些创意十足的时尚插画作品所占据。这样巨型时尚插画作品如此呈现,实属罕见,所以当艺术墙面的一发布,立刻就引起了网络上的一阵骚动。

AlexMerry作品

除此之外,Gucci还将插画作品中的产品制作出来售卖,让所有为之心动的消费者都能找到并拥有这些产品。他们将这些梦幻般的理想产物变为了现实。另一方面,观者从这些浪漫主义风格的时尚插画作品可以看出,时尚插画的风格早已不再单一。

AlexMerry作品

说起时尚插画与品牌的跨界合作,那就不得不提Prada。在2018年男装春夏系列大秀上,品牌就邀请了插画师JamesJean进行二度合作,可见他作品的受瞩目程度。

JamesJean与OliverSchrauwen作品

此次,JamesJean与比利时涂鸦艺术家OliverSchrauwen联手创作了秀场空间的插画作品。观秀者望着这些画面感十足的作品,就像在看一页页现场版妙趣横生的连环画。

与此同时,作者也为Prada专门制作了同样风格的插图版宣传视频。James这种酷劲十足的插画风格,与Prada未来感的时装风格相结合,显得相得益彰。

JamesJean作品

同年在Prada的女装秀上,品牌同样选择了与时尚插画师们联手。此次合作请来了八位女性插画师:StellarLeuna、TrinaRos、BrigidElva、JoelleJones、GiulianaMaldini、NatsumeOno、EmmaRíos和FionaStaples。

她们除了共同打造了秀场空间内的墙壁作品外,还将插画作品完美融入了新一季的时装系列。他们的漫画风格作品给时尚注入活力的同时,也增加了时尚插画作品走向风格化的可能性。

时至今日,时尚插画作品早已不再墨守成规,只要你愿意动笔,人人皆可创作出属于自己的插画作品。

GraceCoddington作品

先锋时尚插画

除了与时尚品牌跨界合作外,还有一些职业时尚插画师坚持着进行独立创作。他们在掌握插画基本技法的同时,将时尚插画的绘画形式进行延展、探究,揣摩出了自成一派的风格。

先锋时尚插画师VelwynYossy就描绘出了一系列别具一格的作品。从他作品中人物流畅、利落的线条,与夸张却依然恰到好处的整体比例中可看出,他一直奉行着现代主义的美学理念。

VelwynYossy作品

而另一新星时尚插画师ErnestoArtillo则将时尚插画延展至更为抽象的方向。他独树一帜的视觉表现手法打破了大众对时尚插画表现形式的传统认知。

他近期一些超现实主义般的作品将动与静、虚与实的事物相结合,用手绘加拼贴的方式将插画的视觉冲击力无限放大,赋予了静态为主的时尚插画几分动势。

ErnestoArtillo作品

他的创意作品不仅仍然长期刊登在各大杂志上,而且还时常在世界各地展出。ErnestoArtillo说:“我希望看到自己的作品时感到既放松又激动。平时生活中也一样,我会寻找当中的平衡,也会找寻怎么可以打破现有的状态。”

ErnestoArtillo作品

纵使时尚插画的黄金时期已逝去,但不可否认的是,时尚插画依然在时尚领域占有一席之地,并同时饱含极高的艺术价值。

时尚插画是少数可以将商业与艺术做到完美结合的行业,而当下受到追捧的插画作品的不断涌现,更是增添了时尚插画继续前行的可能。

JamesJean动态时尚插画作品

了解完这些最红、最引人注目的时尚插画作品,大家皆可提起笔去尝试发掘时尚插画新道路。下一个当红炸子鸡,也许就是你。

精彩回顾:

[编辑、文/陈卓]

时装插画：那个有着500年历史的”时尚女魔头“

时装插画已经存在了将近500年,自从有了衣服以后,就需要将设计衣服的思想或形象转化为时装插图。这种视觉形式起源于插画,绘画和油画,也被称为“时装素描”。时装设计师主要使用“时装素描”在纸上或数字方式上集思广益,它在设计中的主要作用是在缝制实际衣服之前可以预览和可视化最后的结果。

接下来,我们就分阶段的看一下时装插画这个有着500年历史的”时尚女魔头“有着怎样的历发展进程。

一.时尚插画的开始

时装插画始于16世纪,当时全球的探索和发现导致人们对世界各个国家的人们的着装而着迷。印制了说明不同社会阶层和文化适合穿着的书籍,以帮助消除对变革的恐惧和这些发现所造成的社会动荡。

在1520年至1610年之间,出版了200多种这样的版画,蚀刻版画或木刻作品集,其中包含穿着特定国籍或等级的人物的图板。这些是最早的服饰插图,也是现代时装插图的原型。这些插图很可能会被礼服设计师,裁缝师,及其客户所使用,以激发新的设计灵感。

十七世纪的艺术家雅克·卡洛(JacquesCallot)和亚伯拉罕·博斯(AbrahamBosse)都使用现代雕刻技术来制作逼真的时代服装和服饰细节。

这些期刊从1670年代开始在法国和英国开始发行,被认为是第一本时尚杂志,其中包括LeMecureGallant,TheLady'sMagazine,LaGalleriedesModes,LeCabinetdesModes和LeJournaldesDamesetdesModes。在此期间,出版期刊的数量有所增加,这是对市场中越来越渴望了解最新时尚新闻的女性读者的反应。直到在18世纪末和19世纪初,男性风格的插图才变得与女性插图同样重要。

二.十九世纪的时尚图样(Thefashionplate)

时装图样(Thefashionplate)在18世纪后期独占鳌头,在巴黎风靡一时,期间诸如HoraceVenet的《IncroyablesetMerveilleuses》等出版物,以及在拿破仑一世时期的乔治·雅克·加丁(Georges-JacquesGatine)雕刻的一系列水彩时装图都名噪一时。

法国作为时尚仲裁者的地位确保了国内外对时尚插画的不断需求。这种对流行服饰的兴趣以及对流行服饰的获取日益广泛,导致在19世纪出现了150多种时尚期刊。这些高度详细的时装插图捕获了时装趋势的信息,并提供了一般的制衣指导。

高级服装定制也是这个阶段出现的(出现在1860年代),时装公司聘请了插画家,他们将与女装设计师直接合作,设计师将织物挂在现场模型上时,插画家则会勾勒出新设计的草图。他们还会在完成的系列中绘制每个设计的插图,然后可以将其发送给客户。

到19世纪末,手工彩色印刷被全彩色印刷所取代。时装图样开始使用两个人物,其中一个人物可以从背面或侧面看到,以便可以从更多角度看到服装,从而使复制更加容易。19世纪插画家的重点是准确性和细节性。他们遵守静态的图像约定,以便为观看者提供全面的信息和指导。

三.二十世纪的时尚杂志和插图

二十世纪初期的几十年来,现代意义上的时装插画首次开花。随着最新时装样式的发行变得越来越有利可图,时装插画师的工作成为一种职业。时尚以前是单个艺术家的作品,现在正成为一个行业,以前所未有的数量生产新商品,以填补百货公司的空缺。这些商店发明了一种新的全名消遣方式-购物文化。

法国奢侈杂志《宪报》(Gazettedubonton)于1912年至1925年出版,汇集了一群年轻艺术家,他们在诠释时尚方面获得了前所未有的自由。伊里贝(Iribe)是这些时尚插画家之中的****,为著名的出版物做出了贡献,其中还包括查尔斯·马丁(CharlesMartin),爱德华多·加西亚·贝尼托(EduardoGarciaBenito),乔治·巴比耶(GeorgeBarbier),乔治·勒帕佩(GeorgesLepape)和翁贝托·布鲁内莱斯基(UmbertoBrunelleschi)。他们为《宪报》制作的印版展示了日本木刻版印刷品的影响,以及装饰艺术风格新的变化。

在美国,大众市场时尚杂志《Vogue》和《Harper'sBazaar》涵盖了社交场合以及当代服装的流行趋势。Harper'sBazaar杂志与鬼才埃特(Erte)签订了独家合同,该合同从1915年持续到1938年,是出版历史上最长的合同之一。

从1910年到第二次世界大战爆发,《Vogue》杂志的封面始终带有插图。Vogue的早期封面展示了由美国插画家海伦·德莱顿(HelenDryden),乔治·沃尔夫·普朗克(GeorgeWolfPlank),乔治·勒帕佩(GeorgesLepape),莱恩德克尔(F.X.Leyendecker)创作的艺术品。

第一次世界大战后,欧洲艺术家加入了他们的行列,其中包括爱德华多·贝尼托(EduardoBenito),查尔斯·马丁(CharlesMartin),皮埃尔·布里索(PierreBrissaud)和安德烈·马蒂(AndreMarty)。

四.时尚插画的黄金时代

1920年代到1930年代代表着时装插画的“黄金时代”。每个商业艺术家都被认为是时装艺术家,都是完美的绘图员。许多人能够凭权威和信念来代表织物的质地,光泽甚至重量。

摄影和印刷的新技术发展开始将照片的复制直接放置在杂志的页面上,这意味着时尚图样不再是现代生活的代表。到1930年代初,照片开始成为杂志的首选,Vogue杂志在1936年报道说,摄影封面的销售情况更好,插图开始被放入到内页。

随着1929年股市崩盘后的经济衰退,美国时装业对巴黎时装的依赖程度有所降低。在两次世界大战期间,美国的服装制造取得了长足的进步,改进了大规模生产方法并标准化了尺码。中产阶级妇女依靠熟练的裁缝师以负担得起的价格可以购买最新的时装设计,而诸如Vogue和Women'sJournal这样的杂志出版的图案对于家庭裁缝师来说是无价的。

Vogue杂志的主要目的是尽可能向读者展示时尚,摄影使插画家摆脱了对服装进行精确记录的需求,而更倾向于诠释时髦的服装。据该杂志的出版商抱怨说:“艺术家们主要是对获得有趣的图画和装饰效果感兴趣,他们被忠实地报道当代时尚精神的任何事情所累,因此感到无聊。”

迪奥在1940年代后期的“NewLook”为战后时尚复兴提供了灵感。从许多方面来说,这是一种倒退的风格,回到过去而不是对未来进行展望,但它也象征着回到更加开朗,乐观的时代。

五.时尚插画的毁灭与复兴

到1950年代,时装编辑已经将更多预算用于摄影的编辑传播。随后将时尚摄影师提升为名人,这意味着插画家必须满足于制作内衣和配饰的文章,或从事广告活动。

1960年代,时尚插画在杂志出版业中的地位不断消失,这一趋势在面向青年的青少年杂志的新类别中有所体现,1960年代发行了许多此类杂志,所有这些插图都将插画作为摄影的廉价替代品。

安东尼奥·洛佩兹(AntonioLopez)是这期间唯一在Vogue杂志上定期亮相的艺术家,他的职业生涯始于《女装日报》。

在20世纪下半叶,时装插图一直难以生存,直到1980年代才开始复兴。新一代艺术家在诸如LaModeenpeinture(1982),CondeNast’sVanity(1981)和Visionaire(1991)之类的杂志中都有发行。这种复兴归功于广告活动,特别是Barney在1993-1996年的纽约广告活动。

六.今天的时尚插画

介于精美艺术和商业艺术之间,时装插画在最近被重新评估为一种重要的流派。由于美丽和优雅在时尚和艺术领域都已过时,因此时尚插画有时看起来像是回到了更早的时代。

摄影术非常擅长记录服装的详细信息,因此插画家的重点不再是服装的精确呈现,而是解释服装和可能的穿着者。在二十世纪末和二十世纪初,由于数字工具和社交媒体平台的支持,它发展出了一系列独特的艺术风格。1990年代,先驱插画师EdTsuwaki,GrahamRounthwaite,JasonBrooks和KristianRussell等在计算机绘图领域开始兴起。

这一时期见证了计算机设计程序AdobePhotoshop和Illustrator的出现,也见证了传统的基于艺术的时装插画形式的复兴。纽约的帕森斯设计学院和FIT学院开始提供插图作为其时装课程的专用元素。手工制作的“传统”插图一直在复兴,时装插画家经常回望过去的大师,寻求风格灵感。以经典方法为基础的时装插图已成功地与更现代的流程所创造的插图相得益彰。

最近,插图通过时装设计师和插画家之间的合作而流行。随着社交媒体的使用,时装插画家开始引起人们的关注。时尚插图充满活力色彩,错综复杂的图案和无穷无尽的个性,给人留下深刻的印象。

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时装插画基础|时装人体比例详细图文步骤教程

时装人体也被称为“草图”人体,是基本的时装体形,我们可以在画出人体的基础上设计服饰或绘制平面图,这也是时装插画的起点。

勾画时装人体草图

首先,必须要先熟悉比例的一些规则。

时装人体用“头长”来计量,每个头长代表1英寸。正常情况下时装人体基本是10头长的,但不代表9或11头长就完全不正确了,更多时候是需要根据绘制的服饰特点来决定。比如宽松的衬衫,大衣袖或大领子,而且有很多紧身胸衣的细节时,可能要有更长的腰部和脖子;如果是夸张的蝙蝠袖,手臂应该更长一些。如果是裙子,就需要腿部更长一些。

不同的服饰需要不同的焦点,不同的焦点需要不同的夸张画法。

下面以10头长人体举例:

1.在纸上画一条垂直线,然后等分成10个区间。最顶端的线为0,最底端的线为10。

每条线都代表着人体不同的部位。

2.头部:在0~1之间,画一个椭圆。下巴正好位于线条1上。

3.肩颈:在1~2之间画出脖子和肩膀。肩宽大约为1.5个头长(特殊款式的服饰可能不同)。

4.腰臀:从肩膀两端(肩线)分别向下画一条线到腰线位置,腰部宽度大约为头长的3/4。从腰身两端(腰围线)分别画一条线到臀部(臀部最高点4),臀部宽度大于头长和腰部,小于肩宽。

5.腿部:从臀部两端分别画一条逐渐收细的直线,从4~10。

6.脚部:在腿部下端外侧分别画一个三角形。三角形的底边为脚趾,在线条10上,三角形顶点为脚踝。

7.手臂:在肩线位置分别向下画逐渐收细的线条至手腕处。

8.手部:用矩形和三角形粗略画出手部,指尖在线条5上。

现在已经画出一个粗略的基本人体了。

9.修匀人体的各部位。(头部,脖子与肩部自然衔接,腋窝到腰部,上臀围的线条,臀部,胯部到脚踝,双脚,手臂)

关于时装人体理想的体型比列问题,其实需要灵活看待,并且还要接受时装的变化。某个年代看起来完美的东西,在另一个年代看起来可能会特别奇怪。比如用现在的标准来看20世纪50年代的梦露,可能很多人会觉得她有点胖~

以下标准决定了某个时代的“完美”时装人体:

那个时代的模特或名人

强调身体的部位和人物的某种姿态

合身的服饰和内衣或者其他装饰,或没有装饰

总体来说时装人体必须比普通人体更高一些,这样才能更好的展示时装,在照片或者艺术作品中凸显时装的效果。

感谢你常来!

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